¿Qué es Pipilotti Rist: un personaje, una marca, un pseudónimo?
Es difícil responder. Hace unas semanas, leí una entrevista a Boris Groys, al que también le pedían que se definiera. Él contestaba que la expresión más grande de uno es su propia muerte. Yo soy muy compleja: soy muy modesta, muy trabajadora y no soy idéntica a mi obra. Sin embargo, la gente se hace suposiciones cuando ve mi trabajo y escucha mi nombre. Mi nombre y mi obra crean un personaje. Con frecuencia, cuando hablo con la gente siento que no se está hablando conmigo, sino con esa idea que tienen de mí. Si esa idea les da esperanza, no me parece mal. Sin embargo, yo estoy llena de miedos y tengo mis contradicciones, pero para mí es más importante que la obra aporte algo. A veces me da un poco de miedo decepcionar, porque no soy tan alocada como piensan. Yo me puse mi mote antes de saber que iba a ser artista, que se basa, por supuesto, en una historia familiar.

Defínase entonces como artista.
Me gustaría contribuir de alguna manera a la evolución del arte. Para mí es importante dar esperanza a las personas y conseguir que sean más tolerantes consigo mismas, sobre todo las mujeres, aunque también los hombres, que tendéis a ser muy duros con vosotros mismos. Me gustaría ofrecer diferentes perspectivas, destruir clichés y prejuicios. Otra cosa que quiero hacer es sacar la fotografía digital del espacio que le es propio y unirla con el espacio físico, con el cuerpo. Estoy interesada en la cámara como tema y como objeto. Me interesa que mis figuras tengan una presencia corporal poderosa. Soy una feminista teórica, pero creo que cualquier prejuicio se puede combatir mejor con fotografías que con eslóganes políticos. Mi motivación para trabajar proviene, en muchos casos, de un sentimiento de culpa.

¿Culpa de qué?
Me siento culpable de que nuestro cerebro no sea tan bueno como imaginamos; de la mala resolución de los vídeos; de que no sepamos combinar bien el instinto y la razón... Me gustaría que a la gente no le asustara tanto la tecnología, que la utilizara como una herramienta. Yo trabajo con los medios de comunicación, que normalmente están en manos de superestructuras de poder, pero me pongo más del lado del espectador. Hoy la tecnología es algo portátil y asequible, lo que la hace potencialmente más democrática. Quisiera que todos viéramos y escucháramos un 50 por ciento más de cosas hechas por nosotros mismos.

El título de su exposición en León es Problemas buenos. ¿Son posibles los problemas buenos?
Desde luego. A lo mejor suena a tópico, pero con los problemas creces, aprendes y, sólo si te dices a ti mismo que quieres solucionarlos, logras progresar. Yo creo que hay cosas buenas que pasan porque sí, pero muchas cosas buenas suceden porque han ocurrido otras. A menudo, los problemas te llevan a algo a lo que tú nunca hubieras llegado de forma directa. En el título de la muestra se juega con el hecho de que siempre se intenta hacer todo muy liviano y muy fácil, y se trata de evitar los problemas. También me gusta la contradicción.

Culpable, pero con afán superador. Eso sí que es paradójico. ¿No es más optimista de lo que cree?
Es más complicado que eso. Yo soy muy tendente a la depresión, pero también puedo ser una persona muy entusiasta. No quiero hacer trabajos depresivos, por lo que intento que mis obras sean optimistas. Por supuesto que hay artistas que hacen obras tristes que me gustan mucho, pero yo, para mí, he decidido que mi objetivo es no poner el dedo en la llaga del dolor; tal vez está presente, pero no es el centro de la obra. Me interesa mucho la suavidad o, como dice el título de la expo, la belleza de los errores, la belleza de los problemas.

No es la primera vez que la vemos en España. Lo hicimos hace unos años en el Reina Sofía. ¿Qué diferencias hay entre esa Pipilotti y la de la muestra del MUSAC?
Se van a ver trabajos muy diferentes, aunque los dos citas las haga junto a Rafael Doctor. En ésta de 2005 hay mucho más espacio y muchas son obras nuevas. Podríamos ir desgranando una a una, pero me gusta la pregunta: ¿He cambiado? A veces tengo la sensación de que es más fácil dividir el trabajo para un hombre que para una mujer. Tal vez tiene qué ver con la idea de que las mujeres son las que tienen los hijos, y eso te liga también más a las obras, no lo sé. Creo que mi trabajo evoluciona de forma diferente a como lo hago yo. Técnicamente, estoy progresando. Siempre digo que mi estilo es no tenerlo. Estoy muy orgullosa de hacer un trabajo de cámara muy salvaje, muy fluido, que hace movimientos que no podemos esbozar con el cuerpo, que trata los materiales como si fueran cuerpos y los cuerpos como si fueran materiales. También me gusta imaginar que po- dríamos habernos desarrollado de una forma diferente en la evolución. Incluso, aunque creemos que somos muy liberales y muy libres, hay muchos prejuicios. Eso es algo que me interesa: cómo nos movemos, cómo ocupamos el espacio, la diferencia entre niños y adultos...

Escribía en 1989 que hacía vídeo porque para usted es una manera de hacer terapia familiar. ¿Por qué el vídeo y no, por ejemplo, el cine?
Por diferentes razones. Por ejemplo: con el vídeo puedes mantener el control del proceso; en una película, por razones económicas, está mucho más fragmentado. Con el vídeo puedo grabar cien horas y luego quedarme con un solo momento. Yo hago mucha basura y me gusta trabajar sola. En el cine necesitas un cierto orden militar. En cuanto a la recepción, con el vídeo yo decido cuándo entro y cuándo salgo de la sala, y en el cine todo el mundo tiene que mirar en la misma dirección durante el mismo tiempo. Ade- más, el mundo del arte es un espacio protegido y la gente que va a un museo utiliza su tiempo de una manera muy concreta. El museo ocupa el lugar que antes ocupaba una iglesia: un sitio para meditar y un lugar, cada vez más, de discusión filosófica.

Ha pasado del vídeo convencional a la instalación videográfica compleja. ¿Cuáles eran las limitaciones que encontraba en el vídeo?
Sobre todo, que era siempre una pantalla, un cuadrado, un marco donde tendemos a concentrar todo nuestro conocimiento y nuestros sentimientos. La pieza que presenté en Nueva York en Times Square ?que también se ve en León? trataba de eso. Tú fuerzas el cuerpo para que mire en una dirección, y a mí me gusta que la gente sea más libre, pues estoy segura de que no sólo aprendemos intelectualmente, sino que también lo hacemos a través del movimiento del cuerpo. En una instalación trabajas con ciclos, no con un principio y un fin. Esa es la razón por la que ahora, por ejemplo, trabajo con la posibilidad de que uno se pueda tumbar. La televisión anula nuestra concentración, por lo que la utilizo quitándole su poder.

Empezó en un grupo musical.
Sí, Les Reines Prochaines, que todavía existe. Por entonces se llamaba La Reine du Coteau y yo sólo hacia las escenografías. No quería estar en escena y pensé: «Tengo que aprender a hacer música». Así que me uní a ellos. Estuve seis años. Siempre pensé que perdería el miedo al escenario, pero no ocurrió nunca, por lo que me decanté por el arte.

El MUSAC va a producir un CD con su música. ¿Qué podemos encontrar en ese disco?
Se titula Bandas Sonoras de las vídeo-instalaciones de Pipilotti Rist, y está toda esta gente: Les Reines Prochaines, una canción mía, Anders Guggisberg... La mayoría son de ambos. Son 20 canciones de otras tantas instalaciones, muchos estilos contradictorios. Tengo muchas más, pero hicimos una selección. Son 70 minutos de música bastante compactos. Fue otra gran idea de Rafael Doctor.

¿Por qué es tan importante la música para usted?
Para mí es la mitad de la obra. Con la música puedes dar consuelo. La vida puede ser muy absurda y dolorosa, y la música puede ayudar a calmarla. A la vez, ofrece un mundo en el que estamos juntos, como en una burbuja. Es muy irracional. Además, es mucho más fácil crear un espacio artificial con música. La cultura intenta que nos entendamos los unos a los otros. La música es la herramienta más avanzada para combatir la soledad.

¿Más importante que la imagen?
Igual.

Hablaba antes de Open my Glade, el vídeo de Times Square. En León se exhibe en un pub. ¿Está de acuerdo con la idea de sacar el arte del museo? ¿Cree que un bar es un buen sitio para verlo?
En los espacios públicos, acepto el vídeo sólo si es por un tiempo limitado. Cuando lo pones en un sitio donde la gente pasa todos los días, no me gusta, porque es muy difícil ignorarlo. Con las imágenes inmóviles, un cuadro o una escultura, puedes conseguirlo, pero cuando algo se mueve, o lo que es peor, tiene sonido, sólo funciona si la fuente se renueva. En este bar sólo es exhibido durante algunas horas y no tiene sonido. Para los espacios públicos prefiero instalaciones sin vídeo.

¿Se considera una artista pop?
Nunca entiendo muy bien lo que se quiere decir cuando se me define así. Si a lo que se refieren es a que trabajo con lenguajes que la gente ajena al mundo del arte puede entender, entonces probablemente lo sea. Si lo que se quiere decir es que no me asusta la belleza, también tienen razón. Porque la belleza en muchos casos resulta muy sospechosa, pues se asocia a la seducción, a la falta de honestidad y a la distracción. Pero a mí no me asusta. Pero a lo mejor me llaman pop porque utilizo la música. Sin embargo, hoy el contexto ya no es garantía de calidad. A lo mejor tengo algunos aspectos pop, pero no todo.


Publicado originalmente en www.abc.es